Der eine wird auch nach über 30 Jahren noch auf seinen NDW-Hit „Fred vom Jupiter“ angesprochen, der andere besingt das niedersächsische Flachland Delmenhorst oder schüttelt einfach mal die Kultfigur Frank Lehmann aus dem Ärmel. Keine Frage: Der Musiker und Künstler Andreas Dorau sowie Element of Crime-Frontmann und Literat Sven Regener kennen sich aus im deutschen Kunst- und Popbetrieb. Ihr gemeinsames Werk „Ärger mit der Unsterblichkeit“ erzählt nun davon, alles durch die „unglaublichen Geschichten“ aus dem Leben von Andreas Dorau.

Sven Regener, der mit Dorau seit Längerem befreundet ist, hat sich als Ghostwriter betätigt und hat den sprudelnden Dorau-Text eingefangen. „Andreas läuft immer um mich herum, und ich muss das dann auftippen. Macht echt Spaß“, sagte Regener der dpa über den Entstehungsprozess. Leicht vorzustellen, wie der intergalaktische „Fred“ den tiefenentspannten Regener umkreist und seine Erlebnisse auferzählt. Dass der heute 51-Jährige mehr zu bieten hat, als einen wenn auch hervorstechenden Gassenhauer der schnell abgebrandeten Neuen Deutschen Welle, macht das Werk in Episoden deutlich. Regener verleiht ihnen den scharfzüngigen Sound dazu.

Andreas Dorau als Gesamtkunstwerk

Nachdem Dorau schon als 15-Jähriger mit „Fred vom Jupiter“ einen Hit in der Tasche hatte, war ihm Respekt sicher. Ein Studium an der Münchener Hochschule für Fernsehen und Film krönte er mit seinem Abschlussfilm „Schlag dein Tier – eine fröhliche Quizshow“, Stirnrunzeln und Verstörung auf Seiten der Akademie. Das Showkonzept sah vor, dass Menschen gegen ihre Haustiere antreten und die Tiere immer eine Pfote vorn liegen. Einen weiteren Coup hatte er mit seiner Oper „Die Überglücklichen“, die rief Tierschützer auf den Plan, weil Fische zum Ensemble gehörten. Deutlich wird: Bei aller Komik, die teilweise in den Dorauschen Aktionen innewohnt, er versteht sich als Künstler. Das Leben des Dorau ist ein Gesamtkunstwerk und sein guter Kumpel Sven Regener hat es nun zwischen zwei Buchdeckel gegossen.

Schade, dass das höchst amüsante Werk erst am 11. Mai erscheint. Bis dahin müssen sich Pop-Exegeten also gedulden – oder gegebenenfalls noch Karten für die Veranstaltungen am 13. März 2015 auf der lit.Cologne ergattern.

Andreas Dorau & Sven Regener: Ärger mit der Unsterblichkeit, GALIANI, BERLIN, Mai 2015 Gebunden, 16,99 Euro.

lit.COLOGNE
Andreas Dorau
Sven Regener

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Pianist Chilly Gonzales hatte Unterstützung von Jarvis Cocker und dem Kaiser Quartett.

Zwischen Hochkultur und Unterhaltung lässt der Pianist Chilly Gonzales das Jahr in der Kölner Philharmonie ausklingen. Bei seinem Konzert bricht er nicht nur eine Lanze für seinen Kumpel Brahms, sondern auch für seine Leidenschaft, den Rap.

Er fühlt sich wie Zuhause. Das jedenfalls signalisiert das Outfit von Chilly Gonzales an diesem Sonntag-Abend kurz vor Jahresende. In gemütlichen Pantoffeln und auberginefarbenem Morgenmantel setzt er sich pünktlich um 20 Uhr an sein Klavier im ausverkauften Konzertsaal. Was das zumeist jüngere Publikum in den nächsten zwei Stunden erwartet, ist nichts Geringeres als die Pop-Classic-Show des selbsternannten „musical genius“.

Bereits zum vierten Mal spielt der Kanadier, der seit einigen Jahren Kölner ist, sein Dezember-Konzert in der Philharmonie. In diesem Jahr gleich an zwei Abenden hintereinander. Unterstützt wird Chilly Gonzales traditionsgemäß vom Kaiser Quartett aus Hamburg. Der Schlagzeuger Joe Flory in rosa Socken komplettiert das Ensemble.

Die ersten 20 Minuten kommt Gonzales aber zunächst ganz ohne Streicher und Drums aus. Hingebungsvoll spielt er Stücke seiner zwei Platten Solo Piano I und II. Bei Titeln wie Rideaux lunaire (dt.: mondbeschienene Vorhänge) schwelgt man förmlich zwischen Klassik und sanftem Jazz davon.

Chilly Gonzales begeistert sich für Sprechgesang

Doch Chilly Gonzales eigentliches Talent entfaltet sich vor allem im Mix von Musikstilen. Die große Leidenschaft des 42-Jährigen gilt dem Rap. Gonzales bezeichnet sich selbst als „schlechtesten MC“, das mindert aber nicht seine Begeisterung für den Sprechgesang. „Wo in Opernarien über Gefühle und die innersten Empfindungen gesungen wird, ist ein Rapsong das Gegenteil davon. Da wird alles direkt gesagt“, erklärt er lässig dem Publikum. Mit eigenen satirischen Rapzeilen zeigt er dann, wie er seinem Piano zusammen mit den Streichern und dem Drumkit stampfende Beats entlockt. Eine Lehrstunde der Musik, ohne belehrend zu sein. Was vorher träumerisches Schwelgen war, wechselt nun mit begeistertem Kopfnicken und wippenden Beinen.

In diesem Stil führt Chilly Gonzales zum bereits bewährten Wagner-Bashing über. Mit dessen musikalischer Auffassung könne er nichts anfangen und dennoch müsse der Musiker täglich über die unsägliche Richard-Wagner-Straße in Köln gehen. Dabei ist er doch im „Team Brahms“. Für diesen Komponisten gebe es keine Straße in der Domstadt, nur 20 Meter Straße in Euskirchen. Das hätte seine Google Maps-Recherche ergeben. Im Song „The Grudge“ rappt sich Gonzales seinen Ärger von der Seele. Seine gegelte Tolle ist längst Schweiß durchtränkt und wirbelt unter den energischen Kopfbewegungen umher.

Jarvis Cocker als Gast

Das Gleichgewicht stellt schließlich der Gaststar Jarvis Cocker wieder her. Der Frontmann der einstigen Brit-Popband Pulp ist eigentlich ein Format für sich. In braunem Cordanzug, mit Hipster-Brille, Retro-Krawatte und ausladenden Gesten ist der schlaksige Sänger personifizierte Bühnenpräsenz. Gonzales stört das keineswegs. Das Gespann Gonzales-Cocker funktioniert offenbar, denn seit einiger Zeit feilen sie an gemeinsamen Songs. Cocker schreibt, Gonzales arrangiert. Das Publikum in der Philharmonie bekommt drei Stücke zuhören. Sie sind inspiriert vom Flair des alten Hollywood, von Diner-Restaurants und Hotelzimmern, die von Rock-Stars verwüstet werden wollen.

Nach zwei Zugaben endet der Streifzug durch die Klassik- und Pop-Gefilde. An den begeisterten Gesichtern im Publikum zeigt sich, dass Gonzales mit seinem Stilmix richtig liegt, um die Kluft zwischen E- und U-Musik zu verringern. Vielleicht sieht man den ein oder anderen Besucher ja schon bald bei einem Konzert von Team Brahms oder den Sinfonie-Abonennten mit einer CD von Max Herre.
(Text: Jenny Lepies)

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Foto: Matthias Sandmann

Der Ebertplatz in Köln ist eigentlich alles andere als verzaubert. Die Band Erdmöbel schafft es in ihrem neuen Video zu Weihnachten jedoch, ein anrührend-witziges Kleinod der deutschen Popkultur zu kreieren.

Die Adventszeit befördert allerlei besinnlichen Hokus-Pokus in die Medien. Schwierig, darunter etwas mit der nötigen Süffisanz zu finden. Die Kölner Band Erdmöbel bildet aber eine Ausnahme. Seit 2006 steuert sie jedes Jahr zu Weihnachten einen Song und ein passendes Video bei, die den Balanceakt zwischen Ironie und Emotion neu austarieren. In diesem Jahr veröffentlichen Erdmöbel sogar ein ganzes Album mit Liedern zum Fest der Liebe. Das als „Geschenk“ betitelte Album enthält auch den Track „Goldener Stern“, zu dem ein anrührendes Kleinod der deutschen Popkultur gedreht wurde.

Erdmöbel-Video: Ebertplatz eigentlich wenig besinnlich zu Weihnachten

Schauplatz des Erdmöbel-Videos war der Ebertplatz in Köln. Egal, ob an Weihnachten oder zur Sommerzeit – der Platz zwischen Eigelstein und dem hippen Agnesviertel zeichnet sich eigentlich nicht durch seine Besinnlichkeit aus. Aber vielleicht war er gerade deswegen geeignet für die Band um Sänger Markus Berges.

Erdmöbel hatten zuvor über Facebook Komparsen gesucht, die sich wie nach einem Einkauf zu Weihnachten „mit vollen Tüten“ an einem Oktobertag versammeln. Bassist Ekki Maas spielt in dem Video eine ganz besondere Rolle: mit weißem Rauschebart und Zottelhaaren mimt er einen Obdachlosen, der einem Jungen hinter den roten Kacheln der U-Bahnstation eine verzauberte Welt zeigt. Wie bei einem Adventskalender verbirgt sich hinter jedem Türchen eine andere Episode: mal ein tanzendes Sterntaler-Mädchen, mal ein aufgeregt hampelnder Typ mit einem Geschenk statt eines Kopfes.

„Der kleine Jesus sucht seinen Papa“

Zwischen diesen skurrilen Sequenzen sind Erdmöbel zu sehen. Das Outfit der Band inspiriert von der biblischen Geschichte. Berges mit blauem Kopftuch und weitem Leinengewand, Maas in Zimmermann-Dress, Keyboarder Wolfgang Proppe als abendländischer König und Schlagzeuger Christian Wübben mit Hirtenstab und ordentlich Wolle auf dem Kopf.

Erdmöbel schaffen es so Zeilen wie „Der kleine Jesus sucht seinen Papa. Kommen Sie schnell zur Information“ das passende Schaubild zu geben. Da verzeiht man auch den etwas kitschigen Kinderchor am Ende. Mit diesem Song der Woche kann Weihnachten nun kommen!

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Apocalyptic Post-Punk: Beastmilk zählen zu den Newcomern des Jahres.

Eine Portion Post-Punk, eine Prise Sleaze Metal, eine handvoll düstere Lyriks: Die Finnen von Beastmilk haben live nicht einfach eine Milchmädchenrechnung umgesetzt. Sie zeigen bei ihrem zweiten Gig in Köln selbstbewusst, dass sie zurecht zu den vielversprechenden Newcomern des Jahres zählen.

Für Beastmilk gehören Finnland und ein düsterer Soundtrack zum Ende aller Tage einfach zusammen. Auch live löst die Band dieses Gleichnis ein und lockt damit am 20. Oktober zahlreiche Besucher in den Club LUXOR. Dort bekamen sie dann nicht nur die finnische Apokalypse serviert, sondern auch dessen schwedische Interpretation von In Solitude.

Doch bevor Beastmilk die musikalische Zeitenwende einläuten, zeigen die supportenden Death Hawks ihre Live-Qualitäten. Mit ihrem staubige Blues Rock verwandeln sie die Bühne in eine Wüste – irgendwo zwischen Nevada und der arktischen Tundra. Beim Aussehen des Sängers Teemu Markkula hätte es nicht überrascht, wenn während des gut 45-minütigen Sets auch mal der Lizard King vorbei gezischelt wäre. Mit seinem wuscheligen Lockenkopf erinnert Markkula stark an den The Doors-Frontmann Jim Morrison. Das Quartett erschafft jedoch aus dem Fahrwasser der psychedelischen Rockbands der 60er-Jahre heraus seinen einen eigenen Sound, garniert mit sphärischen Saxonphon-Einlagen.

Frischluft mit Beastmilk – Selbstvertrauen wird live deutlich

Der leicht beduselte Kopf wird schließlich von Beastmilk wieder mit Frischluft versorgt. Der Opener The wind blows through their skulls gibt die Bö-Richtung an. Man merkt sofort das gewonnene Selbstvertrauen, das sich die Band seit ihrem ersten Gig im Kölner Underground im Mai erspielt hat. Mit schwingender Gelfrisur feuert Vocalist Kvohst den nach eigenen Beschreibungen Apocalyptic Post-Punk auf das Publikum los.

Das gesamte Debüt-Album Climax spielt Beastmilk durch. Nicht nur live zeugt es von rockigen Joy Division, eleganten Killing Joke und wütenden Interpol. Und um nicht zuletzt das Vorurteil vom schweigsamen Finnen zu widerlegen, kommt Kvohst zwischendurch fast schon ins Plaudern. Die musikalischen Calciumdrops sind an diesem Abend definitiv Death reflects us und Surf the apocalypse, da sie die Energie auf der Bühne noch einmal konzentrieren. Mit Void Mother und Children of the atom bomb schaffen es zudem zwei Stücke aus der 2012 veröffentlichten EP Use your deluge auf die LUXOR-Bretter. Wohl auch, weil das 39-minütige Climax für einen reichhaltigen Konzertabend etwas gestreckt werden musste.

Auch das Frühwerk in der Setlist

Doch der Blick auf die gar nicht so fernen Anfangstage von Beastmilk zeigt, dass die grobe Kursrichtung bereits angepeilt war. An diesem Abend endet die Live-Fahrt aber zunächst mit Love in a cold world. Ein neues Album soll übrigens Ende nächsten Jahres erscheinen, erzählt Kvohst nach dem Gig – während die Kumpanen von In Solitude zwischen Räucherstäbchen-Duft und weißen Tulpen ihr Metal-Riff peitschen. Dass inzwischen der Zuschauerraum langsam an Personal verliert, zeigt dann doch, wer der heimliche Headliner des Abends ist.

Death Hawks
In Solitude
Beastmilk

Setlist Beastmilk:
The Wind Blows Through Their Skulls
You Are Now Under Our Control
Void Mother
Fear Your Mind
Ghosts Out of Focus
Surf the Apocalypse
Children of the Atom Bomb
Nuclear Winter
Death Reflects Us
Genocidal Crush
Love in a Cold World

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Zwischen DVD-Boxen: Die Band Anathema spielt Acoustic-Gig in einem Multimedia-Handel in Köln.

Keine düstere Kneipe und keinen schummrigen Club hatte sich die britische Band Anathema für ihren Acoustic-Gig in Köln ausgesucht. Vielmehr wählten die Prog Rocker die Saturn-Filiale am Kölner Hansaring, um Songs ihres neuen Albums Distant Satellites vorzustellen.

Mit halber Mannschaft, aber bestimmt nicht mit halbiertem Elan enterten Danny Cavanagh, sein Bruder Vincent und Lee Douglas die Bühne in der DVD-Abteilung. Zwischen den neuen Staffeln Dexter und alten Sitcoms spielten sie acht Titel aus ihrem gothisch angehauchten Repertoire. Dass zwischen der wenig sphärischen Auslage des Multimedia-Handels trotzdem Gänsehaut-Stimmung aufkommen konnte, dafür sorgte die emotionale Performance der drei Musiker.

Nötiger Funken Melancholie beim Pop-Konzert

Während Danny und Vicent mit ihren Gitarren Lead und Rhythmus beisteuerten, gab Sängerin Lee den Lyrics so manches Mal den nötigen Funken Melancholie, der die Musik von Anathema auszeichnet. Was auf den Studio-Alben nach großem Orchester mit Gothic-Einflüssen klingt, gelang dem Trio in diese unplugged-Variante zu transportieren. Das Ergebnis war ein rund 45-minütiges Set, das die Fans eintauchen ließ in eine Welt voller pathetischer Sehnsucht. Dort treffen sie vermutlich auf musikalische Leidensgenossen wie Opeth oder vielleicht Porcupine Tree.

Tristesse mit Humor

Um die Transzendenz in Parallel-Universen perfekt zu machen, blendet die Monitorwand im Hintergrund weite, einsame Landschaften ein. Wenn Dramatik aufkommt, sind es künstlerisch wertvolle urbane Eindrücke. Bei aller ausgiebiger Tristesse kommen jedoch kleine Lacher zwischen den Songs nicht zu kurz. Danny, der bei einem Art Garfunkel-Lookalike-Contest sicher unter den ersten Drei landen würden, und Vincent, der seinen Lockenkopf unter einer dunklen Wollmütze versteckt, scherzen mit den Besuchern. Das sichtlich gut gelaunte Brüderpaar läuft schließlich beim letzten Song „Distant Satellite“ zu Hochform ein. Mit rhythmischen Schlägen auf die Akustik-Gitarre entsteht ein treibender Beat, der sich zusammen mit dem apokalyptischen Gesang von Vincent vermutlich wirklich bis zu weit entfernten Satelliten fortträgt. Zuletzt ist dann doch vergessen, dass diese weit entfernten Raumgleiter ihre Signale zurück. Dadurch scheint dann doch irgendwie stimmig, dass sich Anathema den kleinen Saturn in Köln für ihren Live-Gig ausgesucht hat.
(Text: Jenny Lepies)

Setlist:
Beatles Intro
The Lost Song Pt. 2
Untouchable Pt. 1
Untouchable Pt. 2
The Lost Song Pt. 3
Thin Air
A Natural Disaster
Distant Satellites

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Inszenierung „Kabale und Liebe“ am Schauspiel Köln. Foto: David Baltzer

Von Miley Cyrus bis Napoleon: Anspielungsreich inszeniert Simon Solberg am Schauspiel Köln das bürgerliche Trauerspiel Kabale und Liebe. Das echte Stück Popkultur aus dem 18. Jahrhundert erhält den erforderlichen Anstrich Moderne und besticht durch fulminantes Bildtheater, ohne die Leidenschaft der Geschichte zu übermalen.

Es ist eine Liebesgeschichte, wie sie für die Epoche des Sturm und Drang typisch ist: Eine Liebe über gesellschaftliche Grenzen hinweg, leidenschaftlich, ohne die Beachtung von Konventionen. Die zwei Turteltäubchen sind Ferdinand, adliger Sohn des Präsidenten, und Luise, Tochter aus bürgerlichem Hause. Doch Ferdinands Vater, Walter, ist gegen diese Beziehung, steht sie doch seinen Machtgelüsten im Wege. Lieber soll der Sprössling die einflussreiche Lady Milford heiraten. Durch ihren guten Draht zum Herzog könnte Walter seinen Machtbereich erweitern. Ein Netz aus Intrigen (Kabale) entspannt sich: Luises Mutter wird entführt, ein falscher Liebesbrief erpresst und das junge Glück entzweit. Das  Finale ist so tragisch und leidenschaftlich wie die Liebe von Ferdinand und Luise selbst: Für beide gibt es nur noch den Tod, um die Reinheit der Seele wieder herzustellen.

Der junge Theatermann Simon Solberg, hochgelobter Nachwuchsregisseur, tut für das bürgerliche Trauerspiel von 1774 genau das, was für eine Inszenierung des rebellischen Stücks erforderlich ist: Laut, bunt, plakativ und mit Versatzstücken aus Gegenwart und Zeitgeschichte nutzt er die Mittel des Theaters, um die Authentizität, die Körperlichkeit der Geschichte zu verdeutlichen. Pop-Einspieler am Klavier, brachiale Industrial-Klängen aus der „phatten“ Soundanlage, neon-farbene Körperbemalungen, Video-Projektionen und Stroboskop-Licht machen Kabale und Liebe zu einem wilden Action-Stück.

Amazon-Lagerhalle als Kulisse der Inszenierung

Seine Protagonisten Ferdinand (Marek Harloff) und Luise (Annika Schilling) lässt er zwischen der an eine Amazon-Lagerhalle erinnernde Kulisse aus Pappkartons ihre Liebe finden und auch wieder verlieren. Der machtgierige Vater Walter (Wilhelm Eilers) erinnert nicht von ungefähr an Amazon-Chef Jeff Bezos. Während Ferdinand sich zunehmend mit Matsch und Farbe besudelt und zeitweise ein „Team Snowden“-Trikot trägt, räkelt sich Luise in bester Miley Cyrus-Manier auf einem Wrecking Ball, um danach mit zuckriger Limonade und einem schaumartigen Gift von Ferdinand bespritzt zu werden. Am Ende ist es auf der Bühne ein ziemliches – man kann es nicht anders sagen – Geschmadder und in all dem Mix aus Körpern und Flüssig- und Klebrigkeiten finden die beiden wieder zueinander.

Theater mit kolossalen Bildern

Wer bei Solbergs Inszenierung auf eine klassische Wiedergabe der Geschichte hofft, wird bitter enttäuscht. Kabale und Liebe reiht sich demnach nahtlos ein in die Regiearbeiten des 35-Jährigen. Schillernd und extrem geht es stets bei ihm auf der Bühne zu. So siedelte er beispielsweise seinen „Faust“ am Münchner Volkstheater im Schweizer Kernforschungszentrum Cern an. Kabale und Liebe benötigt diesen Transfer in die Moderne ebenfalls – Solberg gehorcht damit nur dem, was dem Stück an Rebellentum und Innovationsgeist sowieso inne wohnt. Wer sich darauf einlassen kann, dem werden in dem zweistündigen Schauspiel die passenden kolossalen Bilder dazu geliefert.
(Text: Jenny Lepies)

Kabale und Liebe im Schauspiel Köln

Nächste Vorstellungen: 9. Mai, 13. Mai, 16. Mai, 28. Mai, 22. Juni, 27. Juni am Schauspiel Köln.

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Konzert der Band HIM (Foto:Melanie Heinze)

HIM-Konzert am 24. April im ausverkauften Gloria-Theater in Köln: Die mit Minusgraden verwöhnten Finnen wärmen sich bei dem intimen Gig auf und machen Lust auf das neue Album Tears On Tape, das dieser Tage erscheint.

Die Ankündigung von „HIM plus Guests“ auf dem tiefschwarzen Ticket kann – so wird im Nachhinein klar – ausschließlich die Konzertbesucher gemeint haben. Denn die finnischen Love-Metaller kommen an dem Abend im Gloria ganz ohne eine Vorband aus. Ohne große Worte starten die Mannen um den Chef-Lover Ville Valo in das rund 90-minütige Set. Wer schon immer alle schmissigen Rock-Songs aus dem mittlerweile acht Studio-Alben umfassenden Oeuvre an einem Abend hören wollte, der wird in den kuscheligen Räumlichkeiten des Event-Theaters glücklich gemacht.
Den Reigen des Liederabends eröffnet mit All Lips Go Blue ein Track von Tears On Tape, HIMs achtem Studio-Album. Da die CD erst zwei Tage nach dem Konzert in Deutschland erscheinen wird, lauscht das überwiegend weibliche Publikum gespannt dem klassischen HIM-Sound. Dann werden die härteren Riffs herausgeholt: Buried Alive By Love, Right Here In My Arms und Soul On Fire machen den musikalischen Melancholikern sichtlich Spaß. Bassist Migé und Gitarrist Linde hüpfen herum und traktieren die Instrumente. Drummer Gas bearbeitet sein Schlagzeug hinter durchsichtigen Schallwänden. Von Keyboarder Burton sieht man im hinteren Teil der Bühne recht wenig, seine Hooklines kommen aber nicht zuletzt bei dem Evergreen Join Me zur Geltung. Von Herrn Valo im kleidenden Schwarz und mit wärmender Wollmütze sieht man, obwohl er natürlich vorne steht, jedoch häufig den Rücken. Mit ausufernden Ansagen zwischen den Songs hält er sich zurück. Einzig einen Gag mit der löchrigen Kopfbedeckung, die einer Bankräuber-Maske gleich kommt, kann man als den Entertainment-Part gelten lassen. Die Band lässt viel lieber ihre Setlist sprechen, für die sie sich aus fast jedem Album für ein bis zwei Titel entschieden haben. Der Gig bietet damit einen guten Querschnitt aus der ungefähr 15-jährigen Bandgeschichte. Im schummerigen Bühnenlicht kommen besonders auch Hits wie Funeral Of Hearts oder das Chris-Isaak-Cover Wicked Games vom Debütalbum gut an. Zugegeben: Der Sound hätte besser abgestimmt sein können, doch das ist vermutlich dem kleinen Gloria-Theater geschuldet.

Ziemlich plötzlich kündigt die höllische Hoheit Himself schließlich den letzten Song an: When Love And Death Embrace widmet er all den Liebespaaren im Raum. Das lässt das Heartagram gleich höher schlagen! Auf eine Zugabe lässt sich die Band an diesem Abend ein – das psychodelisch-doomige Sleepwalking Past Hope kann dabei gut und gerne als drei Titellängen gewertet werden. Alles in allem ein solider Auftritt einer professionell-routinierten Band und eine gelungene Einstimmung auf das, was mit dem nächsten Longplayer ins Haus steht. (jl)

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Wenn spät nachts im Fernsehen die schönsten Bahnstrecken Deutschlands abgefahren werden, sehen nur die Nachteulen und Spätheimkehrer vor den Mattscheiben zu. Die Kamera ist streng auf die Schienen gerichtet. Was im Zug selbst passiert, bleibt verborgen. Anders die Inszenierung „Reise durch die Nacht“ in der Halle Kalk. Sie rückt gerade das, was in den Abteilen vorgeht, in den Mittelpunkt. Das Bühnenbild entsprechend: Ein Wagon, dessen Abteile teilweise längs aufgeschnitten sind. Dass das keine spaßige Nachtfahrt wird, sondern eher ein melancholischer Tripp, ist mit dem Auftritt der Hauptfigur (Julia Wieninger) schnell klar. Abwesender Blick, unsichere Bewegungen und ein Notizheft vollgekritzelt mit Erinnerungsfetzen – das sind die charakterlichen Eckpfeiler. Ihr Begleiter Julian hat dagegen alles fest im Griff. Routiniertes Zusammenleben beschreibt ihre Beziehung wohl am besten. Während der Zug von Paris nach Wien tuckert, bahnt sich die Protagonistin ihren Weg durch Fragmente und Szenen aus ihrer Vergangenheit.

Mit angestengtem, fast panischem Blick versucht sie sich an ihren kürzlich verstorbenen Vater zu erinnern: „den armen Pfeiffen-Vater“. Fast verzweifelt kramt sie nach fröhlichen Erinnerungen und bleibt doch immer wieder bei seinen Wutanfällen und Schläge gegenüber der Mutter hängen. Die Erinnerungs-Achterbahn ist definitiv auf Talfahrt. Die Beziehung zu Julian stimmt die Protagonistin auch nicht froh. Eigentlich kennt sie ihn gar nicht, so ihre nüchterne Bilanz. Wer bei dieser Zugfahrt noch einen Lichtblick am Ende der Reise und der Nacht erwartet, wird enttäuscht.

Neben der beklemmenden Geschichte ist vor allem die Umsetzung auf der Bühne eine Meisterleistung. Zunächst einmal kommt den drei bis vier Schauspielern nie ein einziges Wort über die Lippen. Dem inneren Monolog der Hauptfigur verleiht Ruth Marie Kröger ihre Stimme, sie steht in einer Sprecherkabine zwischen den Abteilen. Mit nüchterner, fast emotionsloser Sprache schlägt sie die Brücke zum Innenleben der Protagonistin. Bei der weiteren Inszenierung setzt Katie Mitchell, die die literarische Vorlage von Friederike Mayröcker bearbeitet hat, vor allem auf Videotechnik. Die Abteile werden von Handkameras im Auge behalten. Zwischen Luken und Türspalten klemmen sich die Objektive. Ihnen entgeht kein verängstigter Blick, kein Herumgewälze im Stockbett, keine Flucht auf die Toilette. Übertragen wird alles auf eine weiße Wand oberhalb des Zuges. Die Kameraleute vollführen eine beeindruckende Choreographie für die wechselnden Einstellungen. Für den Zuschauer ergibt sich daraus ein durchgängiger Film, der auf der weißen Wand oben angeschaut werden kann. Unten lassen sich derweil die Abteile und ihre stillen Umbauten beobachten, gewissermaßen das „Making-Of“ der Einstellungen in dem Film.

Dieser aufwendig inszenierte Monolog überzeugt vor allem durch seine intelligente Umsetzung. Durch das perfekte Arrangements des stummen Schauspiels, der monotonen Erzählstimme und der Kameralinsen am richtigen Platz ergibt sich eine beeindruckende Ästhetik. Das Motiv der nächtlichen Zugfahrt verleiht dem einspurigen und dadurch festgefahrenen Lebensweg der Protagonistin ein konkretes Bild. Wem das allzu schwermütig und auswegslos erscheint, schaltet am besten wieder „Die schönsten Bahnstrecken Deutschlands“ ein. (Foto: Schauspiel Köln/Stephen Cummiskey)
(jl)

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