Debütalbum von FFS

Die neue Band FFS nimmt sich nicht ganz so ernst: Ihr Debütalbum lebt von lyrischem Nonsens und Pop mit Operetten-Note. Dahinter können sich nur zwei Musikgruppen verbergen, die die Zusammenarbeit mit Augenzwinkern angeganen sind.

„Collaborations don’t work“ (dt. Zusammenarbeiten funktionieren nicht) heißt ein Song auf dem Debütalbum der neuen Supergroup FFS. Knapp sieben Minuten räumt die Band dem Titel ein, um ihre Botschaft klar zu machen. In unschuldigem Sing-Sang werden die Musiker nicht müde zu betonen, dass die vermeintlich produktiven Zusammenarbeiten wirklich nicht funktionieren. Die Konsequenz kann dann natürlich nur lauten: „I’m gonna do it all by myself“ (dt. Ich mache es alles selbst.)

Schabernack auf Platte

Für eine handvoll Berufe mag diese Leitlinie hinkommen. Wenn man allerdings sein Geld damit verdient, Mitglied in einer Band zu sein, lässt sich dieses Credo nur schwer durchhalten – vorausgesetzt man will einen einigermaßen klangvollen Song produzieren. Im Besonderen bei den sogenannten Supergroups, in denen sich die Musiker aus bereits etablierten Formationen beziehungsweise schon bekannten Solo-Künstlern speisen. Sollten sich die Musiker, die sich hinter den drei Versalien verstecken, also einfach einen Schabernack mit den Hörern erlaubt haben? Die einfache Antwort: Ja. Denn Franz Ferdinand, die Lieferanten der zwei „F“, und die Sparks, die das „S“ beisteuern, haben hörbar Spaß daran, ihr gemeinsames Album als Spielwiese für lyrischen Nonsens und sowas wie rhapsodischen Pop zu nutzen. Dabei hätte man die zwei Bands nicht unbedingt auf demselben Spielplatz erwartet.

Wer sich für avantgardistischen Artrock aus den 70ern und Electro-Pop aus den 80ern Jahren interessiert und in den 90ern heimlich zum Synthie-Beat von „When do I get to sing ‚My Way'“ mitgewippt hat, für den werden die Brüder Russell und Ron Mael keine Unbekannten sein. Seit den 70ern haben sie als Band Sparks kontinuirlich Alben produziert. Dabei fand das Duo, das eigentlich aus Los Angeles stammt, in London eine musikalische Heimat. Im Musikgeschäft sind sie also alte Hasen. Eine Kooperation mit den schottischen Indie-Helden von Franz Ferdinand erscheint in ihrer Laufbahn als gelungene Überraschung. Im Interview mit dem Musikexpress plaudern die frisch formierten Musiker entspannt über die Entstehungsgeschichte des Albums.

FFS: Falsett und Indie-Rock

Dass die Sparks und Franz Ferdinand vor allem in Sachen Humor auf derselben Wellenlänge liegen, ist dem Longplayer deutlich anzuhören. Bestes Beispiel ist das eingangs erwähnte Collaborations don’t work. Es ist ein Spiel aus Alex Kapranos (Franz Ferdinand) tiefem Barriton und Maels Falsett-Stimme. Jedem wird gleichberechtigt sein Platz eingeräumt – der Songtitel wird damit konterkariert. Operetten-hafte Passagen wechseln ab mit folkigen/Singer-Songwriter- Einsprenklern und Pop-Melodien. Der Stil des Liedes ist so vielfältig, dass der Vergleich mit Queens Bohemian Rhapsody lockt. Zugleich steht der Song stellvertretend für den Rest der Platte: Die Texte sind stets mit einem Augenzwinkern zu verstehen – es darf auch gern mal leicht dadaistisch zugehen: Bomp bom diddy diddy police encounters. Stets sind dabei die einzelnen Sparks- und Franz Ferdinand-Komponenten klar herauszuhören. Trotzdem klingt es nicht zusammengestückelt, sondern wie ein stimmiges Gesamtwerk. Das ist vor allem dem hervorragenden Gespür beider Bands für das Arrangement zuzuschreiben. Und mit den Schotten von Franz Ferdinand haben die Sparks auch keine Neulinge an der Seite, sondern erfahrene Studio- und Live-Musiker, die inzwischen auch seit mehr als zehn Jahren im Geschäft sind.

Kurzum: Sowohl Sparks- als auch Franz Ferdinand-Fans werden an diesem Album Spaß haben, mindestens genauso viel wie die Musiker beim Schreiben der Platte. Und auch völlig Unvoreingenommene werden von der gelungenen Mischung überrascht sein. Dass das ganze live fast noch besser funktioniert, zeigt das Konzert im Pariser Konzertsaal Bataclan. In Deutschland wird FFS u.a. auf dem Lollapalooza vertreten sein.

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„Hemmungslos subjektiv“ geben die Autoren Antworten auf Fragen wie „Who’s bad?“ oder „How much is the fish?“. Foto: Jenny Lepies

Die Popmusik steckt voller Unergründlichkeiten. Wo der gemeine Hörer zwar mit einer hübschen Melodie, aber ratlos zurückgelassen wird, wollen Evelyn Peternel und Andreas R. Peternell Antworten liefern. Ihr unterhaltsames Buch „Who the fuck is Alice?“ ergründet die 101 drängendsten Fragen der Popmusik.

Warum regnet es immer über mir? Gibt es Leben auf dem Mars? Und: Wie groß ist deine Liebe? Lässt man treibende Bässe und eingängige Hooklines weg, ist die Popmusik ein wahrhaftes Biotop an ungeklärten Fragen. So skandierten die Popjünger zusammen mit der Band Smokie bereits 1972: Who the fuck is Alice? Aber wurden sie je aufgeklärt, wer diese ominöse Nachbarin eigentlich ist – Fehlanzeige.

Wie viele Nächte sich die Autoren Evelyn Peternel und Andreas R. Peternell mit erfolglosem Googeln nach richtigen Antwort auf Fragen wie diese um die Ohren geschlagen haben, ist unbekannt. Daher haben sie es sich kurzerhand selbst zur Aufgabe gemacht, „bessere Antworten zu finden, als die Fragenden es sich hätten träumen lassen“ – und das „hemmungslos subjektiv“. In ihren gedanklichen Galoppschritten und Pirouetten streifen sie die vielfältigsten Themen. Die haben zwar nur noch begrenzt mit Popmusik zu tun, doch den Unterhaltungswert des Buches lässt das nicht einknicken. Peternel & Peternell (weder verwandt noch verheiratet)  vermitteln Info-Häppchen über die Scheidungsrate in Österreich, Unnützes zur Käseexport-Statistik oder Einblicke in die Welt der Ornithologie, ganz ohne zu langweilen. Gerade in diesem freien Assoziieren liegen die Stärken dieses intellektuellen Pop-Pourris.

Ermittlungsakte: Popmusik

Michael Jacksons „Who’s bad?“ (1987) ist beispielsweise der Startpunkt für den Blick auf die „Most Wanted“-Liste des FBI. Doch nach kurzer Prüfung wird umgeschwenkt auf die Arbeit des Internationalen Strafgerichtshof in Den Haag, da dieser sich ausschließlich auf die wirklich bösen Bösewichte fokussiert. Aufgrund der bisherigen zwei Schuldsprüche gegen zwei Männer aus dem Kongo sehen die Autoren darin die definitive Antwort auf die Frage des King of Pop.
Mit ihren Ausführungen auf „Do you have to talk like that?“ (1987) bei der australischen Band The Go-Betweens steigen die beiden Pop-Experten in die Theorien über das Krankheitsbild von Wolfgang Amadeus Mozart ein. Damit kann man vermutlich auf jeder Musikwissenschaftler-Party punkten: Denn Mozarts Schmuddel-Briefchen an seine Cousine sollen ein Indiz für das Tourette-Syndrom gewesen sein.
Der kurze Essay zum Thema Blauflossen-Thunfisch liegt zwar thematisch sehr dicht an Scooters Frage „How much is the fish?“ (1998). Doch gelingt es Peternel & Peternell pointiert gut recherchierte Informationen zur traditionsreichen Versteigerung des ersten Thunfisches des Jahres in Japan aufzubereiten. Der Absatz endet nicht, ohne sich in Douglas Adams-Manier mit einem Augenzwinkern für den Fisch zu bedanken.

Kleine Enzyklopädie der Pop-Wissens-Kultur

Gerade von dem Augenzwinkern zwischen den Zeilen lebt diese kleine Enzyklopädie der Pop-Wissens-Kultur. Die Autoren, die als Journalisten in Österreich arbeiten, bringen ihre Recherche-Arbeit mit einer kreativen Schreibe und dem vielzitierten Blick über den Tellerrand zusammen. Das Ergebnis ist das kurzweilige und amüsante Werk, das wie geschaffen ist für die 15-minütige Bahnfahrt zur Arbeit oder, wenn man im Café auf sein Date wartet. Und ganz nebenbei ist es eine wunderbare Alternative zum Loop-artigen Blick auf das Smartphone.

„Who the fuck is Alice?“ von Evelyn Peternel und Andreas R. Peternell, Verlag Rogner & Bernhard, Berlin, 19,95 Euro.

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Francesco Wilking – dem ambitionierten Pop-Experten auch als Kopf der Band Tele bekannt – und Moritz Krämer bilden sozusagen den musikalischen Nukleus Der Höchsten Eisenbahn. Wobei auch Krämer kein Unbekannter ist: 2010 gewann er den Preis TV Noir Rakete, vom Live-Musik-, Talk-, Spiel-Spektakel TV Noir. Mittlerweile zählen aber auch der Schlagzeuger Max Schröder und der Bassist bzw. Keyboarder Felix Weigt zum Bordpersonal. Zusammen begeistern sie nun seit einiger Zeit Klub- und Konzert-Besucher mit ihren Melodien über Sehnsucht, Weltschmerz und bittersüßer Verzückung. Sie reihen sich stilistisch in eine Tradition deutscher Songpoeten ein, in der sich beispielsweise Gisbert zu Knyphausen, Olli Schulz oder auch Jens Friebe tummeln. Das Ergebnis aus diesem Umfeld  Das Ende 2013 erschienene Debütalbum Schau in den Lauf Hase (Tapete Records) ist damit ein unaufgeregter, aber keineswegs langweiliger Soundtrack für stimmungsvolle Abendstunden an einem der vielen Seen im Berliner Umland. Bevor aber die Decke und das Flaschenbier zusammengepackt werden und es rauf auf’s Rad geht, noch kurz zur Einstimmung Was machst du dann hören. Denn wem die vielen ruhigeren Titel des Albums nicht das Herz weich kochen, der sollte sich zumindest von den leichten Beats einstimmen und antreiben lassen. Abfahrt!
 

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Sound-Fundstück: Ein bisschen Florence & The Machine, ein bisschen PJ Harvey – auf jeden Fall ein wunderbares Fundstück zwischen Pop und Pomp.

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Ausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf

Die Initialzündung von Popkultur, genauer gesagt Pop Art, ist in Deutschland nicht denkbar ohne die Namen Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerd Richter. Die Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realismus“ in der Düsseldorfer Kunsthalle zeigt, wie die drei Künstler das amerikanische Phänomen Pop aufgenommen und für ihre Arbeiten umgestaltet haben.

Bei amerikanischer Pop Art denkt man zuerst an Andy Warhol, seine Suppendosen und Marilyn in Seriendruck. Auch Roy Lichtenstein ist durch seine Comic-Gemälde genauso wie Robert Rauschenberg durch seine Bilder und Skulpturen mit dem Begriff verbunden. Objekte aus der schillernden Konsumwelt nehmen, sie verändern und dadurch die Kommerzialisierung selbst aufs Korn nehmen – das war die Devise der Pop Artisten. In den 1950er und 1960er Jahren, zu Zeiten also als die Vielfalt der Produkte gerade wuchs und der Wirtschaftsmotor wie geölt zu laufen begann, in dieser Zeit war das sicher neu und in jedem Falle aufregend. Die jungen Studenten der Düsseldorfer Kunstakademie Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerd Richter griffen diesen kritischen Zeitgeist auf und übertrugen ihn auf deutsche Verhältnisse. Mit ihnen nahm Pop Art in Deutschland ihren Anfang.

Unter dem Einfluss der Fluxus-Bewegung, gewissermaßen freche, anarchische und „un-künstlerische“ Konzept-Kunst, gelang es Lueg, Polke, Richter und Manfred Kuttner im Mai 1963 eine erste Ausstellung mit „Deutscher Pop Art“ zu organisieren. Der Ort war so gewöhnlich wie anti-künstlerisch: eine leerstehende Metzgerei in der Düsseldorfer Kaiserstraße 31A. Zu sehen war ein Stuhl mit einem OWO-Paket darauf, erste Fotobilder von Richter und Polkes Objekt „Massenmedien“. In der Presseerklärung zur Ausstellung wurde erstmals der Begriff „kapitalistischer Realismus“ verwendet. Erste Medienpräsenz wurde den Künstlern damit zuteil.

Über ihre weiteren Stationen begleitet die Ausstellung in der Düsseldorfer Kunsthalle die Entwicklung der Truppe. Im Gedächtnis blieb vor allem die Aktion der Drei im Möbelhaus Berges am 11. Oktober 1963. Ein einfaches Möbelhaus wurde dabei zum Schauplatz ihrer Aktion, ja Inszenierung „Leben mit Pop – Eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus“. Ein Wartezimmer, in dem die Besucher nach und nach per Nummer aufgerufen wurden, war nur der Auftakt. Im „Ausstellungsraum“ saßen die Künstler auf Podesten in Sesseln oder auf dem Sofa und sahen die Tagesschau mit einem Bericht über den Bundeskanzler Adenauer, der am selben Tag zurückgetreten war. Die Konsumkritik wird mit dem Ort Kaufhaus gewissermaßen direkt an den Schauplatz des Geschehens gebracht.

Die Düsseldorfer Ausstellung führt weiter über die Ausstellung „Neue Realisten“ in der Galerie Parnass im November 1964, die Schau „Pop? Kapitalistischer Realismus?“ von Polke und Richter im März 1966 in der Galerie h in Hannover bis hin zu der Gruppierung 1964 um den Galeristen René Block, die als die Kapitalistischen Realisten in Berlin bezeichnet wurden.
Die Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realimus“ ist noch bis zum 29. September in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen. (jl)

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Mit Welcome To My World vom neuen Album Delta Machine eröffnen Dave Gahan, Martin Gore, Andrew Fletcher unterstützt von einem Drummer und einem zusätzlichen Keyboarder das circa 2 ¼ stündige Spektakel. Und die rund 45.000 Fans in der Esprit Arena lassen sich bereitwillig entführen. Es ist vor allem Frontmann Gahan, der das Publikum mitnimmt in die Post-Industrial-Welt. Hüften schwingend, Diven-haft flirtend und Pirouetten drehend zeigt sich der 51-Jährige körperlich in Bestform. Das Sakko wird ihm schnell zu lästig. Er wird es los und performt fort an mit offener Weste, die um den muskulösen Oberkörper schwingt. Von langen Ansagen hält Gahan nichts, abgesehen von ein paar Mal Thank You, die obligatorische Vorstellungsrunde und ein Hallo an die Düsseldorfer gibt es auch nicht viel zu sagen. Bei den Devotees, wie sich die Depeche-Mode-Fans selbst nennen, kommen die Gassenhauer wie Walking In My Shoes, Black Celebration oder Policy Of Truth auch bedeutend besser an. Dass sich die Titel von Delta Machine hingegen noch etwas besser einspielen müssen, zeigt sich etwa bei dem von Martin Gore gesungenen Stück Should Be Higher. Auf dem Catwalk ringt der Chef-Texter Gore um „Love“, weil das aber für das Publikum zum Mitsingen ein paar Töne zu hoch ist, versackt diese Einlage etwas. Dagegen sorgen Judas und Home wieder für elektrisierende Stimmung. Mit der Setlist verstehen es die Briten neben dem Neuling Delta Machine eine abwechslungsreiche Dramaturgie zwischen Alben wie Songs Of Faith & Devotion, ULTRA und Violator zusammenzustellen – aus der Phase, also die stark von Post-Industrial und Bluesrock geprägt ist. Christian Eigner leistet dabei an den Drums einen gehörigen Anteil daran, dass auch die letzte Tribünenreihe in Bewegung kommt. Definitive Highlights sind aber Enjoy The Silence und das mit einem bluesigen Intro versehene Personal Jesus. Auf die transparente Leinwand im Hintergrund werden immer wieder künstlerische Effekte oder Videosequenzen beispielsweise aus der Hand des Haus- und Hof-Kreativmeisters Anton Corbijn mit den Bandmitgliedern eingespielt.
Das programmatische und etwas zähe Goodbye wird zum Abschluss des regulären Sets, bis Gore, Gahan und Fletcher für fünf Zugaben wieder auf die Bühne kommen. Dabei verspielt das Trio ein bisschen seine Chance, die Menge noch einmal über mehr als drei Stücke mitzureißen. Die Goldfrapp-Version von Halo plätschert im Vergleich zur eigentlich energetischen Nummer langsam, dahin, ohne einen Höhepunkt zu erreichen. Mit laszivem Hüftschwung kompensiert die Band und der schwitzig-glänzende Gahan das aber: Just Can’t Get Enough und der Rausschmeißer Never Let Me Down Again gehören zum Standard bei ihren Konzerten. Ihren Effekt verfehlen sie nicht und so entlassen sie ihre glücklichen Devotees in die Nacht. (jl)

Setlist:
Welcome to my world
Angel
Walking in my shoes
Precious
Black Celebration
Policy of Truth
Should be higher
Barrel of a gun
Higher Love
Judas
Heaven
Soothe my Soul
A pain that I’m used to
A Question of time
In your room
Enjoy the silence
Personal Jesus
Goodbye

Zugaben:
Home
Halo (Goldfrapp-Version)
Just can’t get enough
I feel you
Never let me down again

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Die Pop-Hauptstadt ruft

Ein Blog über Popkultur kommt – wie die folgenden Zeilen beweisen – nicht ohne einen Bericht über London aus. Die europäische Wiege des Pop schlug in den 1960er Jahren die Auftakt-Beats zu einer bunten Explosion in der Musik, Mode und der Literatur. Und noch heute swingt London, wie die kleine Bildergalerie zeigen soll.

Fährt man noch bis zum 11. August nach London, sei jedem Pop-Jünger ein Besuch im Victoria & Albert Museum ans Herz gelegt. In der Sonderausstellung „David Bowie is“ wandelt man zwischen 300 Erinnerungsstücken, die der Künstler aus seinem eigenen Hinterzimmerchen zusammengetragen hat. Von Interview-Ausschnitten, über Bilder, Videos, Songtexte gekritzelt auf vergilbten Notizzetteln bis hin zu den opulenten Kostümen wird der Werdegang von Bowie alias Ziggy Stardust, alias Aladdin Sane, alias Thin White Duke usw. vor Augen geführt beziehungsweise zu Gehör gebracht. Aber natürlich lohnt sich ein Besuch des V&A auch nach dem Ende der Ausstellung. Es birgt eine unglaubliche Anzahl an Objekten aus der Architektur, Keramiken, Glas- und Metallarbeiten, aber auch eine Schau durch die Mode-Epochen. Und das Beste ist: Der Eintritt in alle städtischen Museen ist in London kostenfrei.

Ein ganz eigenes Kulturgut sind in der britischen Hauptstadt allerdings vier Herren, die eigentlich aus Liverpool stammen. Die Beatles haben swingin‘ London nicht nur die charmanten Topffrisuren gebracht, sondern auch in dem Viertel Marylebone ihre Spuren hinterlassen. Ein Beatles Walk, ein geführter Spaziergang, führt vorbei an wichtigen Wirkungsstätten. Sei es beispielsweise das Rathaus Old Marylebone, wo 1969 Paul McCartney Linda geheiratet hat, oder das Haus am Montagu Square, wo John Lennon und Yoko wohnten, zeitweise auch Paul und Ringo unterkamen, und im Kellerstudio „Eleanor Rigby“ geschrieben wurde. Highlight der Tour ist natürlich die Abbey Road, wo es schier unmöglich ist, das berühmte Cover-Bild nachzustellen – es kommen natürlich ständig Autos.

Wer bei seinem Trip noch 19 Pfund übrig hat, der kann sich in einem der Ostereier-ähnlichen Abteile am London Eye in windige Höhen schweben lassen. Der Ausblick erstreckt sich über den Palace of Westminster (westlich) bis hin zur Tower Bridge (östlich) und sicherlich auch viel weiter, wenn die Wolkendecke es zulässt. Kulinarisch ist die Stadt so vielfältig wie seine Einwohner: arabisch, indisch, koreanisch und vieles mehr steht neben Fish & Chips zur Auswahl. Kleine Cupcake-Shops gibt es auch in fast jedem Viertel, die Zuckerperlen des Pop gehören zu jeder Tea-Time dazu. (jl)

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Gute 66 Jahre ist Bowie nun alt. Wohl wahr – in dem Alter ist noch lange nicht Schluss. Für den Briten mit dem markanten Blick erst recht nicht. Auch wenn es in den vergangenen Jahren recht still um ihn geworden war. So richtig, wusste man nicht, wohin es ihn verschlagen hatte. Mit welchen Projekten er sich beschäftigte. Aber das gehört schließlich zu einem wahren Popstar, sich auch mal rar zu machen und dann aus der nebulösen Gerüchteküche mit großem „Paauuh“ wieder auf dem Tapet zu stehen.
Was Bowie nun mit „The Next Day“ auf dem Silbertablett serviert, ist zwar nicht die längste Praline der Welt – mit 53 Minuten Spielzeit aber heutzutage schon ein veritabler Longplayer. Für Furore hatte im Januar der vorausgeschickte Appetizer „Where are we now?“ gesorgt. Die Single gehört zu den ruhigeren Tönen und mäandert vor sich hin, streift in Szenen durch West-Berlin. Über allem säuselt Bowie genüsslich vor sich hin, where are we now? Genauso gut hätte er aber auch „Life on mars?“ fragen können. Diese diffusen Ähnlichkeiten zum früheren Werk Bowies sind bezeichnend für das neue Album. Viele der Titel scheinen ihren Bruder im Geiste in Stücken vom Ende der 60er Jahre, Anfang der 70er Jahre zu finden: Space Oddity, Starman, John, I’m only dancing, The Jean Genie, Changes. Alle sind präsent – eine Zeitreise mit einem charmanten Herrn, der die Route vorgibt und schon damals vorgegeben hat. In seiner Entourage hat er wieder verspielte Saxophone, psychotische Synthie-Sounds und die leicht schrägen Hintergrund-Chöre. Alles intelligent arrangiert, ein bisschen opulenter produziert, die Beats energischer – aber im Kern lassen sich die jungen Alter Egos wie Ziggy Stardust, Major Tom oder Aladdin Sane wieder erkennen. Bei allen Reminiszenzen wohnt den Songs aber doch etwas neues inne. Reife und die Gelassenheit, dem Publikum nichts mehr beweisen zu müssen. Das beruhigt vermutlich Bowie selbst und ist dem Album anzuhören. Klingt ganz nach einem Abschied. Wer weiß … Bowie schweigt dazu und streut uns einfach noch etwas Sternenstaub in die Augen. Während wir noch ganz verzückt sind und wie verrückt blinzeln, um die Körnchen loszuwerden, ist er auch schon wieder verschwunden. (jl)

„As long as there’s me, as long there’s you“

60 Infos zu David Bowie – von der BBC zusammengestellt.

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