Inszenierung „Kabale und Liebe“ am Schauspiel Köln. Foto: David Baltzer

Von Miley Cyrus bis Napoleon: Anspielungsreich inszeniert Simon Solberg am Schauspiel Köln das bürgerliche Trauerspiel Kabale und Liebe. Das echte Stück Popkultur aus dem 18. Jahrhundert erhält den erforderlichen Anstrich Moderne und besticht durch fulminantes Bildtheater, ohne die Leidenschaft der Geschichte zu übermalen.

Es ist eine Liebesgeschichte, wie sie für die Epoche des Sturm und Drang typisch ist: Eine Liebe über gesellschaftliche Grenzen hinweg, leidenschaftlich, ohne die Beachtung von Konventionen. Die zwei Turteltäubchen sind Ferdinand, adliger Sohn des Präsidenten, und Luise, Tochter aus bürgerlichem Hause. Doch Ferdinands Vater, Walter, ist gegen diese Beziehung, steht sie doch seinen Machtgelüsten im Wege. Lieber soll der Sprössling die einflussreiche Lady Milford heiraten. Durch ihren guten Draht zum Herzog könnte Walter seinen Machtbereich erweitern. Ein Netz aus Intrigen (Kabale) entspannt sich: Luises Mutter wird entführt, ein falscher Liebesbrief erpresst und das junge Glück entzweit. Das  Finale ist so tragisch und leidenschaftlich wie die Liebe von Ferdinand und Luise selbst: Für beide gibt es nur noch den Tod, um die Reinheit der Seele wieder herzustellen.

Der junge Theatermann Simon Solberg, hochgelobter Nachwuchsregisseur, tut für das bürgerliche Trauerspiel von 1774 genau das, was für eine Inszenierung des rebellischen Stücks erforderlich ist: Laut, bunt, plakativ und mit Versatzstücken aus Gegenwart und Zeitgeschichte nutzt er die Mittel des Theaters, um die Authentizität, die Körperlichkeit der Geschichte zu verdeutlichen. Pop-Einspieler am Klavier, brachiale Industrial-Klängen aus der „phatten“ Soundanlage, neon-farbene Körperbemalungen, Video-Projektionen und Stroboskop-Licht machen Kabale und Liebe zu einem wilden Action-Stück.

Amazon-Lagerhalle als Kulisse der Inszenierung

Seine Protagonisten Ferdinand (Marek Harloff) und Luise (Annika Schilling) lässt er zwischen der an eine Amazon-Lagerhalle erinnernde Kulisse aus Pappkartons ihre Liebe finden und auch wieder verlieren. Der machtgierige Vater Walter (Wilhelm Eilers) erinnert nicht von ungefähr an Amazon-Chef Jeff Bezos. Während Ferdinand sich zunehmend mit Matsch und Farbe besudelt und zeitweise ein „Team Snowden“-Trikot trägt, räkelt sich Luise in bester Miley Cyrus-Manier auf einem Wrecking Ball, um danach mit zuckriger Limonade und einem schaumartigen Gift von Ferdinand bespritzt zu werden. Am Ende ist es auf der Bühne ein ziemliches – man kann es nicht anders sagen – Geschmadder und in all dem Mix aus Körpern und Flüssig- und Klebrigkeiten finden die beiden wieder zueinander.

Theater mit kolossalen Bildern

Wer bei Solbergs Inszenierung auf eine klassische Wiedergabe der Geschichte hofft, wird bitter enttäuscht. Kabale und Liebe reiht sich demnach nahtlos ein in die Regiearbeiten des 35-Jährigen. Schillernd und extrem geht es stets bei ihm auf der Bühne zu. So siedelte er beispielsweise seinen „Faust“ am Münchner Volkstheater im Schweizer Kernforschungszentrum Cern an. Kabale und Liebe benötigt diesen Transfer in die Moderne ebenfalls – Solberg gehorcht damit nur dem, was dem Stück an Rebellentum und Innovationsgeist sowieso inne wohnt. Wer sich darauf einlassen kann, dem werden in dem zweistündigen Schauspiel die passenden kolossalen Bilder dazu geliefert.
(Text: Jenny Lepies)

Kabale und Liebe im Schauspiel Köln

Nächste Vorstellungen: 9. Mai, 13. Mai, 16. Mai, 28. Mai, 22. Juni, 27. Juni am Schauspiel Köln.

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Ausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf

Die Initialzündung von Popkultur, genauer gesagt Pop Art, ist in Deutschland nicht denkbar ohne die Namen Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerd Richter. Die Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realismus“ in der Düsseldorfer Kunsthalle zeigt, wie die drei Künstler das amerikanische Phänomen Pop aufgenommen und für ihre Arbeiten umgestaltet haben.

Bei amerikanischer Pop Art denkt man zuerst an Andy Warhol, seine Suppendosen und Marilyn in Seriendruck. Auch Roy Lichtenstein ist durch seine Comic-Gemälde genauso wie Robert Rauschenberg durch seine Bilder und Skulpturen mit dem Begriff verbunden. Objekte aus der schillernden Konsumwelt nehmen, sie verändern und dadurch die Kommerzialisierung selbst aufs Korn nehmen – das war die Devise der Pop Artisten. In den 1950er und 1960er Jahren, zu Zeiten also als die Vielfalt der Produkte gerade wuchs und der Wirtschaftsmotor wie geölt zu laufen begann, in dieser Zeit war das sicher neu und in jedem Falle aufregend. Die jungen Studenten der Düsseldorfer Kunstakademie Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerd Richter griffen diesen kritischen Zeitgeist auf und übertrugen ihn auf deutsche Verhältnisse. Mit ihnen nahm Pop Art in Deutschland ihren Anfang.

Unter dem Einfluss der Fluxus-Bewegung, gewissermaßen freche, anarchische und „un-künstlerische“ Konzept-Kunst, gelang es Lueg, Polke, Richter und Manfred Kuttner im Mai 1963 eine erste Ausstellung mit „Deutscher Pop Art“ zu organisieren. Der Ort war so gewöhnlich wie anti-künstlerisch: eine leerstehende Metzgerei in der Düsseldorfer Kaiserstraße 31A. Zu sehen war ein Stuhl mit einem OWO-Paket darauf, erste Fotobilder von Richter und Polkes Objekt „Massenmedien“. In der Presseerklärung zur Ausstellung wurde erstmals der Begriff „kapitalistischer Realismus“ verwendet. Erste Medienpräsenz wurde den Künstlern damit zuteil.

Über ihre weiteren Stationen begleitet die Ausstellung in der Düsseldorfer Kunsthalle die Entwicklung der Truppe. Im Gedächtnis blieb vor allem die Aktion der Drei im Möbelhaus Berges am 11. Oktober 1963. Ein einfaches Möbelhaus wurde dabei zum Schauplatz ihrer Aktion, ja Inszenierung „Leben mit Pop – Eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus“. Ein Wartezimmer, in dem die Besucher nach und nach per Nummer aufgerufen wurden, war nur der Auftakt. Im „Ausstellungsraum“ saßen die Künstler auf Podesten in Sesseln oder auf dem Sofa und sahen die Tagesschau mit einem Bericht über den Bundeskanzler Adenauer, der am selben Tag zurückgetreten war. Die Konsumkritik wird mit dem Ort Kaufhaus gewissermaßen direkt an den Schauplatz des Geschehens gebracht.

Die Düsseldorfer Ausstellung führt weiter über die Ausstellung „Neue Realisten“ in der Galerie Parnass im November 1964, die Schau „Pop? Kapitalistischer Realismus?“ von Polke und Richter im März 1966 in der Galerie h in Hannover bis hin zu der Gruppierung 1964 um den Galeristen René Block, die als die Kapitalistischen Realisten in Berlin bezeichnet wurden.
Die Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realimus“ ist noch bis zum 29. September in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen. (jl)

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Wenn spät nachts im Fernsehen die schönsten Bahnstrecken Deutschlands abgefahren werden, sehen nur die Nachteulen und Spätheimkehrer vor den Mattscheiben zu. Die Kamera ist streng auf die Schienen gerichtet. Was im Zug selbst passiert, bleibt verborgen. Anders die Inszenierung „Reise durch die Nacht“ in der Halle Kalk. Sie rückt gerade das, was in den Abteilen vorgeht, in den Mittelpunkt. Das Bühnenbild entsprechend: Ein Wagon, dessen Abteile teilweise längs aufgeschnitten sind. Dass das keine spaßige Nachtfahrt wird, sondern eher ein melancholischer Tripp, ist mit dem Auftritt der Hauptfigur (Julia Wieninger) schnell klar. Abwesender Blick, unsichere Bewegungen und ein Notizheft vollgekritzelt mit Erinnerungsfetzen – das sind die charakterlichen Eckpfeiler. Ihr Begleiter Julian hat dagegen alles fest im Griff. Routiniertes Zusammenleben beschreibt ihre Beziehung wohl am besten. Während der Zug von Paris nach Wien tuckert, bahnt sich die Protagonistin ihren Weg durch Fragmente und Szenen aus ihrer Vergangenheit.

Mit angestengtem, fast panischem Blick versucht sie sich an ihren kürzlich verstorbenen Vater zu erinnern: „den armen Pfeiffen-Vater“. Fast verzweifelt kramt sie nach fröhlichen Erinnerungen und bleibt doch immer wieder bei seinen Wutanfällen und Schläge gegenüber der Mutter hängen. Die Erinnerungs-Achterbahn ist definitiv auf Talfahrt. Die Beziehung zu Julian stimmt die Protagonistin auch nicht froh. Eigentlich kennt sie ihn gar nicht, so ihre nüchterne Bilanz. Wer bei dieser Zugfahrt noch einen Lichtblick am Ende der Reise und der Nacht erwartet, wird enttäuscht.

Neben der beklemmenden Geschichte ist vor allem die Umsetzung auf der Bühne eine Meisterleistung. Zunächst einmal kommt den drei bis vier Schauspielern nie ein einziges Wort über die Lippen. Dem inneren Monolog der Hauptfigur verleiht Ruth Marie Kröger ihre Stimme, sie steht in einer Sprecherkabine zwischen den Abteilen. Mit nüchterner, fast emotionsloser Sprache schlägt sie die Brücke zum Innenleben der Protagonistin. Bei der weiteren Inszenierung setzt Katie Mitchell, die die literarische Vorlage von Friederike Mayröcker bearbeitet hat, vor allem auf Videotechnik. Die Abteile werden von Handkameras im Auge behalten. Zwischen Luken und Türspalten klemmen sich die Objektive. Ihnen entgeht kein verängstigter Blick, kein Herumgewälze im Stockbett, keine Flucht auf die Toilette. Übertragen wird alles auf eine weiße Wand oberhalb des Zuges. Die Kameraleute vollführen eine beeindruckende Choreographie für die wechselnden Einstellungen. Für den Zuschauer ergibt sich daraus ein durchgängiger Film, der auf der weißen Wand oben angeschaut werden kann. Unten lassen sich derweil die Abteile und ihre stillen Umbauten beobachten, gewissermaßen das „Making-Of“ der Einstellungen in dem Film.

Dieser aufwendig inszenierte Monolog überzeugt vor allem durch seine intelligente Umsetzung. Durch das perfekte Arrangements des stummen Schauspiels, der monotonen Erzählstimme und der Kameralinsen am richtigen Platz ergibt sich eine beeindruckende Ästhetik. Das Motiv der nächtlichen Zugfahrt verleiht dem einspurigen und dadurch festgefahrenen Lebensweg der Protagonistin ein konkretes Bild. Wem das allzu schwermütig und auswegslos erscheint, schaltet am besten wieder „Die schönsten Bahnstrecken Deutschlands“ ein. (Foto: Schauspiel Köln/Stephen Cummiskey)
(jl)

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