Zwischen DVD-Boxen: Die Band Anathema spielt Acoustic-Gig in einem Multimedia-Handel in Köln.

Keine düstere Kneipe und keinen schummrigen Club hatte sich die britische Band Anathema für ihren Acoustic-Gig in Köln ausgesucht. Vielmehr wählten die Prog Rocker die Saturn-Filiale am Kölner Hansaring, um Songs ihres neuen Albums Distant Satellites vorzustellen.

Mit halber Mannschaft, aber bestimmt nicht mit halbiertem Elan enterten Danny Cavanagh, sein Bruder Vincent und Lee Douglas die Bühne in der DVD-Abteilung. Zwischen den neuen Staffeln Dexter und alten Sitcoms spielten sie acht Titel aus ihrem gothisch angehauchten Repertoire. Dass zwischen der wenig sphärischen Auslage des Multimedia-Handels trotzdem Gänsehaut-Stimmung aufkommen konnte, dafür sorgte die emotionale Performance der drei Musiker.

Nötiger Funken Melancholie beim Pop-Konzert

Während Danny und Vicent mit ihren Gitarren Lead und Rhythmus beisteuerten, gab Sängerin Lee den Lyrics so manches Mal den nötigen Funken Melancholie, der die Musik von Anathema auszeichnet. Was auf den Studio-Alben nach großem Orchester mit Gothic-Einflüssen klingt, gelang dem Trio in diese unplugged-Variante zu transportieren. Das Ergebnis war ein rund 45-minütiges Set, das die Fans eintauchen ließ in eine Welt voller pathetischer Sehnsucht. Dort treffen sie vermutlich auf musikalische Leidensgenossen wie Opeth oder vielleicht Porcupine Tree.

Tristesse mit Humor

Um die Transzendenz in Parallel-Universen perfekt zu machen, blendet die Monitorwand im Hintergrund weite, einsame Landschaften ein. Wenn Dramatik aufkommt, sind es künstlerisch wertvolle urbane Eindrücke. Bei aller ausgiebiger Tristesse kommen jedoch kleine Lacher zwischen den Songs nicht zu kurz. Danny, der bei einem Art Garfunkel-Lookalike-Contest sicher unter den ersten Drei landen würden, und Vincent, der seinen Lockenkopf unter einer dunklen Wollmütze versteckt, scherzen mit den Besuchern. Das sichtlich gut gelaunte Brüderpaar läuft schließlich beim letzten Song „Distant Satellite“ zu Hochform ein. Mit rhythmischen Schlägen auf die Akustik-Gitarre entsteht ein treibender Beat, der sich zusammen mit dem apokalyptischen Gesang von Vincent vermutlich wirklich bis zu weit entfernten Satelliten fortträgt. Zuletzt ist dann doch vergessen, dass diese weit entfernten Raumgleiter ihre Signale zurück. Dadurch scheint dann doch irgendwie stimmig, dass sich Anathema den kleinen Saturn in Köln für ihren Live-Gig ausgesucht hat.
(Text: Jenny Lepies)

Setlist:
Beatles Intro
The Lost Song Pt. 2
Untouchable Pt. 1
Untouchable Pt. 2
The Lost Song Pt. 3
Thin Air
A Natural Disaster
Distant Satellites

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Inszenierung „Kabale und Liebe“ am Schauspiel Köln. Foto: David Baltzer

Von Miley Cyrus bis Napoleon: Anspielungsreich inszeniert Simon Solberg am Schauspiel Köln das bürgerliche Trauerspiel Kabale und Liebe. Das echte Stück Popkultur aus dem 18. Jahrhundert erhält den erforderlichen Anstrich Moderne und besticht durch fulminantes Bildtheater, ohne die Leidenschaft der Geschichte zu übermalen.

Es ist eine Liebesgeschichte, wie sie für die Epoche des Sturm und Drang typisch ist: Eine Liebe über gesellschaftliche Grenzen hinweg, leidenschaftlich, ohne die Beachtung von Konventionen. Die zwei Turteltäubchen sind Ferdinand, adliger Sohn des Präsidenten, und Luise, Tochter aus bürgerlichem Hause. Doch Ferdinands Vater, Walter, ist gegen diese Beziehung, steht sie doch seinen Machtgelüsten im Wege. Lieber soll der Sprössling die einflussreiche Lady Milford heiraten. Durch ihren guten Draht zum Herzog könnte Walter seinen Machtbereich erweitern. Ein Netz aus Intrigen (Kabale) entspannt sich: Luises Mutter wird entführt, ein falscher Liebesbrief erpresst und das junge Glück entzweit. Das  Finale ist so tragisch und leidenschaftlich wie die Liebe von Ferdinand und Luise selbst: Für beide gibt es nur noch den Tod, um die Reinheit der Seele wieder herzustellen.

Der junge Theatermann Simon Solberg, hochgelobter Nachwuchsregisseur, tut für das bürgerliche Trauerspiel von 1774 genau das, was für eine Inszenierung des rebellischen Stücks erforderlich ist: Laut, bunt, plakativ und mit Versatzstücken aus Gegenwart und Zeitgeschichte nutzt er die Mittel des Theaters, um die Authentizität, die Körperlichkeit der Geschichte zu verdeutlichen. Pop-Einspieler am Klavier, brachiale Industrial-Klängen aus der „phatten“ Soundanlage, neon-farbene Körperbemalungen, Video-Projektionen und Stroboskop-Licht machen Kabale und Liebe zu einem wilden Action-Stück.

Amazon-Lagerhalle als Kulisse der Inszenierung

Seine Protagonisten Ferdinand (Marek Harloff) und Luise (Annika Schilling) lässt er zwischen der an eine Amazon-Lagerhalle erinnernde Kulisse aus Pappkartons ihre Liebe finden und auch wieder verlieren. Der machtgierige Vater Walter (Wilhelm Eilers) erinnert nicht von ungefähr an Amazon-Chef Jeff Bezos. Während Ferdinand sich zunehmend mit Matsch und Farbe besudelt und zeitweise ein „Team Snowden“-Trikot trägt, räkelt sich Luise in bester Miley Cyrus-Manier auf einem Wrecking Ball, um danach mit zuckriger Limonade und einem schaumartigen Gift von Ferdinand bespritzt zu werden. Am Ende ist es auf der Bühne ein ziemliches – man kann es nicht anders sagen – Geschmadder und in all dem Mix aus Körpern und Flüssig- und Klebrigkeiten finden die beiden wieder zueinander.

Theater mit kolossalen Bildern

Wer bei Solbergs Inszenierung auf eine klassische Wiedergabe der Geschichte hofft, wird bitter enttäuscht. Kabale und Liebe reiht sich demnach nahtlos ein in die Regiearbeiten des 35-Jährigen. Schillernd und extrem geht es stets bei ihm auf der Bühne zu. So siedelte er beispielsweise seinen „Faust“ am Münchner Volkstheater im Schweizer Kernforschungszentrum Cern an. Kabale und Liebe benötigt diesen Transfer in die Moderne ebenfalls – Solberg gehorcht damit nur dem, was dem Stück an Rebellentum und Innovationsgeist sowieso inne wohnt. Wer sich darauf einlassen kann, dem werden in dem zweistündigen Schauspiel die passenden kolossalen Bilder dazu geliefert.
(Text: Jenny Lepies)

Kabale und Liebe im Schauspiel Köln

Nächste Vorstellungen: 9. Mai, 13. Mai, 16. Mai, 28. Mai, 22. Juni, 27. Juni am Schauspiel Köln.

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Foto: Rainer Sturm / Pixelio

Die nächsten Oscars werden schon bald vergeben. In 22 Filmen gibt’s hier deshalb einen Rückblick über mein Kino-Jahr 2013. Völlig oberflächlich und natürlich subjektiv.

1. Life of Pi

Wunderbare Geschichte über den jungen Pi und seinen Tiger-Kumpel Richard Parker. Kein Film über eine lustige Bootfahrt, sondern mehr eine Allegorie auf Glauben und Religiosität. Letztlich geht es darum, welcher Geschichte über den Seenot leidenden Pi mehr Glauben geschenkt wird. Völlig zurecht hat Regisseur Ang Lee für diese Literaturverfilmung den Oscar in der Königsdisziplin als „Beste Regie“ erhalten.

2. Silver Linings Playbook

Zugegeben: Ich hatte eine mittelmäßige RomCom erwartet und wurde glücklicherweise sehr enttäuscht. Denn Silver Linings Playbook ist mit seiner Geschichte um den manisch-depressiven Pat Solitano (überraschend: Bradley Cooper) ein ganz unkitschiger Film über die schwammigen Grenzen von „normal“ und „verrückt“ geworden. In den Nebenrollen brillieren Jennifer Lawrence, die sich als Freundin Tiffany mit Pat zurück in die „Normalität“ tanzt, und Robert De Niro, als spleeniger und bisweilen auch cholerischer Vater Pat Sr..

3. Flight

Das beeindruckendste an dem Film über den Alkoholiker/Piloten William Whitaker (Denzel Washington) ist eigentlich das Flugmanöver, mit dem er die Maschine und 96 der 102 Passagiere heil zu Boden bringt. Den Rest des Film benötigt Whitaker, um sich dazu zu bekennen, dass er ein Alkohol- und Drogenproblem hat. Regisseur Robert Zemeckis (Zurück in die Zukunft 1, 2 und 3) hat damit solides, aber doch irgendwie unspektakuläres Kino abgeliefert.

4. Lincoln

Große Geschichtsstunde gefällig? – Bitte einsteigen! Detailliert und in beeindruckenden Kulissen erweckt Regisseur Steven Spielberg den wohl bedeutendsten aller amerikanischen Präsidenten zum Leben. Einige Kenntnisse in amerikanischer Geschichte schaden somit nicht, um unter den verschiedenen Herren mit den immer gleichen staubigen Perücken die Übersicht zu behalten. Dringende Empfehlung: Bitte „Lincoln“ in der amerikanischen Originalfassung sehen. Erst da wird deutlich, welch großartiges Schauspiel Daniel Day-Lewis geleistet hat.

5. Les Misérables

Ja, ich weiß – sie können alle super-gut singen in dem Film und die Geschichte ist ja so ergreifend. Und dennoch konnte mich die Stimmung des Musical-Films nicht gefangen nehmen. Wahrscheinlich habe ich ein Herz aus Stein, weil mich das tragische Ableben von Jean Valjean (Hugh Jackman), dem entlassenen Ex-Sträfling, doch kalt ließ.

6. Django Unchained

Der lang ersehnte Tarantino-Streifen hat meine Erwartungen voll und ganz erfüllt: Viel Blutvergießen und pointierte Dialoge. Allein damit hat Tarantino den Oscar für das beste Drehbuch schon verdient. Seine Hommage an den Italo-Western verlegte er dafür in die amerikanischen Südstaaten kurz vor den Amerikanischen Bürgerkrieg.

7. Oz – The Great and the Powerful

Zauberer wider willen, wenn man so will. Der Film ist das Prequel zu „Der Zauberer von Oz“. Man begleitet den sympathischen Magier Oz (James Franco) auf seinem Weg durch das wundersame Land Oz zur Smaragdstadt. Eine spannende und kurzweilige Reise.

8. The Great Gatsby

Endlich Leonardo DiCaprio in einer Rolle, die ihm auf den Leib geschneidert ist. Der Film um den souveränen Lebemann Gatsby zeugt vom Pomp und Bombast der goldenen 1920er. Allein schon für die Party-Szenen lohnt sich die 3D-Version.

9. The Place beyond the Pines

Ist es ein Motorad-Film, ist es ein Gangster-Streifen oder eine komplexe Vater-Sohn-Thematik? Alles irgendwie. Und dazu noch ein cineastisches Meisterwerk von Derek Cianfrance, der bereits mit „Blue Valentine“ warme Worte bei den Kritikern fand. Für die Musik zeichnet sich übrigens Mike Patton, seines Zeichens musikalischer Tausendsassa und Sänger von „Faith no more“, verantwortlich.

10. Star Trek – Into Darkness

Passierte in dem Film noch mehr als der grandiose Auftritt des Bösewichts „John Harrison“ (Benedict Cumberbatch!)?

11. Gambit – Der Masterplan

Die Coen-Brüder legen mit ihrem bekannten Verwechsel-Spiel einen weiteren Streich vor. Für einen netten DVD-Abend alle Mal zu empfehlen.

12. This is the end

Wenn der jüngste Tag gekommen ist, geht es vor allem Schauspielern an den Kragen. So oder so ähnlich könnte die Devise dieses absurden, selbstreflexiven Comedy-Spektakels sein.

13. Gravity

Über dieses Kammerspiel im Weltall wurde schon so viel geschrieben. Deswegen einfach ansehen, bitte.

14. Der Butler

Amerikanische Geschichte Teil 3.

15. Heli

Mexikanisches Drama um den Protagonisten Heli und seine jüngere Schwester Estela, die durch verstecktes Kokain in den Drogenkrieg geraten. Der Film ist nichts für schwache Nerven: Gerade die Gewaltszenen werden schonungslos dargestellt. Die Geschichte kommt zwar schleppend in Gang, doch ab dann wird man in den Abwärtsstrudel mitgerissen.

16. Guerilla-Köche

Zwei Berliner Köche werden in diesem Dokumentar-Film auf ihrer kulinarischen Reise durch Asien begleitet. Frische Zutaten stehen dabei stets auf der Speisekarte: leckeres Gemüse, knusprige Vogelspinnen und Schlangeninnereien. Spannender Einblick in asiatische Küchen – vom Straßenimbiss bis zum Sterne-Restaurant. Die sympathischen Köche toppen das noch.

17. David Bowie – Five Years

2013 scheint Bowies Jahr gewesen zu sein. Nach dem Überraschungsalbum und der Londoner Ausstellung gibt die BBC-Produktion den filmischen Kontext. Die fünf wichtigsten Schaffensjahre stehen im Mittelpunkt: 1971, 1975, 1977, 1980 und 1983. Mithilfe von unterhaltsamen Weggefährten wird das Bild eines peniblen und talentierten Inszenierungskünstlers gezeichnet.

18. Only Lovers left Alive

Mein persönlicher Überraschungsfilm dieses Jahr. Independent-Held Jim Jarmusch dreht eine Vampirgeschichte mit der großartigen Tilda Swinton und dem coolen Tom Hiddleston. Das lässige und gleichzeitig tief verbundene Liebespaar philosophiert sich durch die Nacht. Einfach herrlich!

19. Die Tribute von Panem – Catching Fire

Katniss Everdeen muss sich im zweiten Teil der Literaturverfilmung abermals bei den Hungerspielen durchschlagen. Bei der hervorragenden Literaturvorlage konnte Francis Lawrence nicht viel falsch machen. Spannung und Action wurden 1:1 aus dem Roman übersetzt.

20. Inside Llewyn Davis

Die Coen-Brüder lassen in ihrem jüngsten Werk den erfolglosen Folk-Musiker Llewyn Davis durch die 1960er Jahre mäandern. Während der Protagonist aus „A serious Man“ hilflos seinen Schicksalsschlägen ausgeliefert ist, möchte man den eigensinnigen Davis gehörig zur Räson bringen. Schnippische Dialoge und die treffsichere Besetzung (Oscar Isaak, Carey Mulligan, John Goodman) machen den Film zu einem weiteren wertvollen Artefakt in der Coen-Reihe.

21. Blue Jasmine

In ihrer wohl besten Rolle zeigt Cate Blanchett in diesem Woody Allen-Film, was in ihr steckt. Das Sozial-Drama, das gespickt ist durch einzelne Rückblenden, zeigt den Fall der Hauptfigur „Jasmine Francis“: Heute High-Society-Lady, morgen apatisch-brabbelnd auf der Parkbank. Blanchett schaut man einfach gern bei allem zu.

22. Machete kills

Schon der Vorgänger „Machete“ sprach ein sehr spezielles Publikum an: Trash- und Splatter-Fans, die zudem eine Vorliebe für die diversen Einsatzarten dieses besonderen Säbels haben. Doch Plot und Säbel-Einsatz hinken dem ersten Teil leider deutlich hinterher. Danny Trejo meuchelt sich durch Mexiko auf der Jagd nach einem Raketen-Auslöser. Lichtblick und Lichtgestalt in einem ist jedoch – unerwarteterweise – Mel Gibson.
(Text: Jenny Lepies)

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Münster und Punk bringt man für gewöhnlich nicht direkt zusammen. Eher die katholische Kirche, die altehrwürdige Universität und allenfalls noch den slapstick-mäßigen Tatort verbindet man mit der selbsternannten Fahrrad-Hauptstadt. Doch mit der Gruppe Messer artikuliert sich eine neue Vielfalt in der westfälischen Provinz. Ende November hat die Band ihr zweites Album Die Unsichtbaren herausgebracht: Sie widmet es eben jenen „die keiner sieht, deren Leid nicht interessiert, deren Schmerz im Verborgenen bleibt“, wie sie auf ihrer Homepage und der Rückseite des CD-Covers ankündigen.

Zitate aus Wave und Post-Punk

Bereits auf ihrem Erstlingswerk Im Schwindel (2012) hatten Messer ihre Fahrtrichtung klar gemacht, die sie nun auf Die Unsichtbaren fortführen: Für rotzigen Punk sind sie ein bisschen zu unrotzig, für Indie zu derbe – sowohl musikalisch als auch in den Lyrics. Durch die markante, manchmal verzweifelte Stimme von Hendrik Otremba kann man die Band in eine Reihe mit den frühen Fehlfarben oder Rio Reiser stellen. Auch Reminiszenzen an britische Bands – allen voran Joy Division – lassen sich heraushören, etwa in Die kapieren nicht oder Tollwut (mit Schaum vor dem Mund). Das Gemengelage verdeutlicht: Mit reinem Punk haben wir es hier nicht zu tun. Und zeitlich scheint man in den 1980er Jahren zu hängen. Doch von einem bloßen musikalischen Verharren kann bei Messer nicht die Rede sein, vielmehr klaubt sich die Gruppe fein filetierte Zitate aus der Wave- und Post-Punk-Ecke und schleifen sie geschickt in ihr Repertoire ein.

Das Ergebnis sind die zehn Tracks, die Messer bei dem Münsteraner Label „This Charming Man“ eingespielt hattte. Alles analog, wie man so liest. Auf reine Handarbeit setzt die Gruppe auch beim Artwork des CD-Covers. Ein düsteres Gemälde von Romy Schneider, angefertigt durch Otremba, der offenbar nicht nur in der Musik sein Ausdrucksmittel sucht. Die Stimmung des Covers gibt schon einen Vorgeschmack auf die Textwelten, die der Vokalist Otremba entwirft. Die sind geprägt von wütender Traurigkeit und so etwas wie der Entfremdung des Ichs von der Welt. Die wavigen und manchmal auch sphärischen Klänge (Einstieg von Tollwut) untermalen dies authentisch. In Tollwut versteckt sich mit dem leisen Refrain „Warmes, trübes Wasser“ auch der Hinweis auf die Dark-Wave-Wurzeln, die das Kalte klare Wasser von Malaria adaptieren.

Für detektivisch begeisterte Musikfreunde bieten Messer also eine schöne Spielwiese, gleichzeitig kann die Gruppe einen neuen Sound bieten, der live auch die gewünschte Power hat. (Text: Jenny Lepies)
Zum Reinhören:

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Sound-Fundstück: Ein bisschen Florence & The Machine, ein bisschen PJ Harvey – auf jeden Fall ein wunderbares Fundstück zwischen Pop und Pomp.

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Ausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf

Die Initialzündung von Popkultur, genauer gesagt Pop Art, ist in Deutschland nicht denkbar ohne die Namen Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerd Richter. Die Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realismus“ in der Düsseldorfer Kunsthalle zeigt, wie die drei Künstler das amerikanische Phänomen Pop aufgenommen und für ihre Arbeiten umgestaltet haben.

Bei amerikanischer Pop Art denkt man zuerst an Andy Warhol, seine Suppendosen und Marilyn in Seriendruck. Auch Roy Lichtenstein ist durch seine Comic-Gemälde genauso wie Robert Rauschenberg durch seine Bilder und Skulpturen mit dem Begriff verbunden. Objekte aus der schillernden Konsumwelt nehmen, sie verändern und dadurch die Kommerzialisierung selbst aufs Korn nehmen – das war die Devise der Pop Artisten. In den 1950er und 1960er Jahren, zu Zeiten also als die Vielfalt der Produkte gerade wuchs und der Wirtschaftsmotor wie geölt zu laufen begann, in dieser Zeit war das sicher neu und in jedem Falle aufregend. Die jungen Studenten der Düsseldorfer Kunstakademie Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerd Richter griffen diesen kritischen Zeitgeist auf und übertrugen ihn auf deutsche Verhältnisse. Mit ihnen nahm Pop Art in Deutschland ihren Anfang.

Unter dem Einfluss der Fluxus-Bewegung, gewissermaßen freche, anarchische und „un-künstlerische“ Konzept-Kunst, gelang es Lueg, Polke, Richter und Manfred Kuttner im Mai 1963 eine erste Ausstellung mit „Deutscher Pop Art“ zu organisieren. Der Ort war so gewöhnlich wie anti-künstlerisch: eine leerstehende Metzgerei in der Düsseldorfer Kaiserstraße 31A. Zu sehen war ein Stuhl mit einem OWO-Paket darauf, erste Fotobilder von Richter und Polkes Objekt „Massenmedien“. In der Presseerklärung zur Ausstellung wurde erstmals der Begriff „kapitalistischer Realismus“ verwendet. Erste Medienpräsenz wurde den Künstlern damit zuteil.

Über ihre weiteren Stationen begleitet die Ausstellung in der Düsseldorfer Kunsthalle die Entwicklung der Truppe. Im Gedächtnis blieb vor allem die Aktion der Drei im Möbelhaus Berges am 11. Oktober 1963. Ein einfaches Möbelhaus wurde dabei zum Schauplatz ihrer Aktion, ja Inszenierung „Leben mit Pop – Eine Demonstration für den kapitalistischen Realismus“. Ein Wartezimmer, in dem die Besucher nach und nach per Nummer aufgerufen wurden, war nur der Auftakt. Im „Ausstellungsraum“ saßen die Künstler auf Podesten in Sesseln oder auf dem Sofa und sahen die Tagesschau mit einem Bericht über den Bundeskanzler Adenauer, der am selben Tag zurückgetreten war. Die Konsumkritik wird mit dem Ort Kaufhaus gewissermaßen direkt an den Schauplatz des Geschehens gebracht.

Die Düsseldorfer Ausstellung führt weiter über die Ausstellung „Neue Realisten“ in der Galerie Parnass im November 1964, die Schau „Pop? Kapitalistischer Realismus?“ von Polke und Richter im März 1966 in der Galerie h in Hannover bis hin zu der Gruppierung 1964 um den Galeristen René Block, die als die Kapitalistischen Realisten in Berlin bezeichnet wurden.
Die Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realimus“ ist noch bis zum 29. September in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen. (jl)

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Mit Welcome To My World vom neuen Album Delta Machine eröffnen Dave Gahan, Martin Gore, Andrew Fletcher unterstützt von einem Drummer und einem zusätzlichen Keyboarder das circa 2 ¼ stündige Spektakel. Und die rund 45.000 Fans in der Esprit Arena lassen sich bereitwillig entführen. Es ist vor allem Frontmann Gahan, der das Publikum mitnimmt in die Post-Industrial-Welt. Hüften schwingend, Diven-haft flirtend und Pirouetten drehend zeigt sich der 51-Jährige körperlich in Bestform. Das Sakko wird ihm schnell zu lästig. Er wird es los und performt fort an mit offener Weste, die um den muskulösen Oberkörper schwingt. Von langen Ansagen hält Gahan nichts, abgesehen von ein paar Mal Thank You, die obligatorische Vorstellungsrunde und ein Hallo an die Düsseldorfer gibt es auch nicht viel zu sagen. Bei den Devotees, wie sich die Depeche-Mode-Fans selbst nennen, kommen die Gassenhauer wie Walking In My Shoes, Black Celebration oder Policy Of Truth auch bedeutend besser an. Dass sich die Titel von Delta Machine hingegen noch etwas besser einspielen müssen, zeigt sich etwa bei dem von Martin Gore gesungenen Stück Should Be Higher. Auf dem Catwalk ringt der Chef-Texter Gore um „Love“, weil das aber für das Publikum zum Mitsingen ein paar Töne zu hoch ist, versackt diese Einlage etwas. Dagegen sorgen Judas und Home wieder für elektrisierende Stimmung. Mit der Setlist verstehen es die Briten neben dem Neuling Delta Machine eine abwechslungsreiche Dramaturgie zwischen Alben wie Songs Of Faith & Devotion, ULTRA und Violator zusammenzustellen – aus der Phase, also die stark von Post-Industrial und Bluesrock geprägt ist. Christian Eigner leistet dabei an den Drums einen gehörigen Anteil daran, dass auch die letzte Tribünenreihe in Bewegung kommt. Definitive Highlights sind aber Enjoy The Silence und das mit einem bluesigen Intro versehene Personal Jesus. Auf die transparente Leinwand im Hintergrund werden immer wieder künstlerische Effekte oder Videosequenzen beispielsweise aus der Hand des Haus- und Hof-Kreativmeisters Anton Corbijn mit den Bandmitgliedern eingespielt.
Das programmatische und etwas zähe Goodbye wird zum Abschluss des regulären Sets, bis Gore, Gahan und Fletcher für fünf Zugaben wieder auf die Bühne kommen. Dabei verspielt das Trio ein bisschen seine Chance, die Menge noch einmal über mehr als drei Stücke mitzureißen. Die Goldfrapp-Version von Halo plätschert im Vergleich zur eigentlich energetischen Nummer langsam, dahin, ohne einen Höhepunkt zu erreichen. Mit laszivem Hüftschwung kompensiert die Band und der schwitzig-glänzende Gahan das aber: Just Can’t Get Enough und der Rausschmeißer Never Let Me Down Again gehören zum Standard bei ihren Konzerten. Ihren Effekt verfehlen sie nicht und so entlassen sie ihre glücklichen Devotees in die Nacht. (jl)

Setlist:
Welcome to my world
Angel
Walking in my shoes
Precious
Black Celebration
Policy of Truth
Should be higher
Barrel of a gun
Higher Love
Judas
Heaven
Soothe my Soul
A pain that I’m used to
A Question of time
In your room
Enjoy the silence
Personal Jesus
Goodbye

Zugaben:
Home
Halo (Goldfrapp-Version)
Just can’t get enough
I feel you
Never let me down again

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Die Pop-Hauptstadt ruft

Ein Blog über Popkultur kommt – wie die folgenden Zeilen beweisen – nicht ohne einen Bericht über London aus. Die europäische Wiege des Pop schlug in den 1960er Jahren die Auftakt-Beats zu einer bunten Explosion in der Musik, Mode und der Literatur. Und noch heute swingt London, wie die kleine Bildergalerie zeigen soll.

Fährt man noch bis zum 11. August nach London, sei jedem Pop-Jünger ein Besuch im Victoria & Albert Museum ans Herz gelegt. In der Sonderausstellung „David Bowie is“ wandelt man zwischen 300 Erinnerungsstücken, die der Künstler aus seinem eigenen Hinterzimmerchen zusammengetragen hat. Von Interview-Ausschnitten, über Bilder, Videos, Songtexte gekritzelt auf vergilbten Notizzetteln bis hin zu den opulenten Kostümen wird der Werdegang von Bowie alias Ziggy Stardust, alias Aladdin Sane, alias Thin White Duke usw. vor Augen geführt beziehungsweise zu Gehör gebracht. Aber natürlich lohnt sich ein Besuch des V&A auch nach dem Ende der Ausstellung. Es birgt eine unglaubliche Anzahl an Objekten aus der Architektur, Keramiken, Glas- und Metallarbeiten, aber auch eine Schau durch die Mode-Epochen. Und das Beste ist: Der Eintritt in alle städtischen Museen ist in London kostenfrei.

Ein ganz eigenes Kulturgut sind in der britischen Hauptstadt allerdings vier Herren, die eigentlich aus Liverpool stammen. Die Beatles haben swingin‘ London nicht nur die charmanten Topffrisuren gebracht, sondern auch in dem Viertel Marylebone ihre Spuren hinterlassen. Ein Beatles Walk, ein geführter Spaziergang, führt vorbei an wichtigen Wirkungsstätten. Sei es beispielsweise das Rathaus Old Marylebone, wo 1969 Paul McCartney Linda geheiratet hat, oder das Haus am Montagu Square, wo John Lennon und Yoko wohnten, zeitweise auch Paul und Ringo unterkamen, und im Kellerstudio „Eleanor Rigby“ geschrieben wurde. Highlight der Tour ist natürlich die Abbey Road, wo es schier unmöglich ist, das berühmte Cover-Bild nachzustellen – es kommen natürlich ständig Autos.

Wer bei seinem Trip noch 19 Pfund übrig hat, der kann sich in einem der Ostereier-ähnlichen Abteile am London Eye in windige Höhen schweben lassen. Der Ausblick erstreckt sich über den Palace of Westminster (westlich) bis hin zur Tower Bridge (östlich) und sicherlich auch viel weiter, wenn die Wolkendecke es zulässt. Kulinarisch ist die Stadt so vielfältig wie seine Einwohner: arabisch, indisch, koreanisch und vieles mehr steht neben Fish & Chips zur Auswahl. Kleine Cupcake-Shops gibt es auch in fast jedem Viertel, die Zuckerperlen des Pop gehören zu jeder Tea-Time dazu. (jl)

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Konzert der Band HIM (Foto:Melanie Heinze)

HIM-Konzert am 24. April im ausverkauften Gloria-Theater in Köln: Die mit Minusgraden verwöhnten Finnen wärmen sich bei dem intimen Gig auf und machen Lust auf das neue Album Tears On Tape, das dieser Tage erscheint.

Die Ankündigung von „HIM plus Guests“ auf dem tiefschwarzen Ticket kann – so wird im Nachhinein klar – ausschließlich die Konzertbesucher gemeint haben. Denn die finnischen Love-Metaller kommen an dem Abend im Gloria ganz ohne eine Vorband aus. Ohne große Worte starten die Mannen um den Chef-Lover Ville Valo in das rund 90-minütige Set. Wer schon immer alle schmissigen Rock-Songs aus dem mittlerweile acht Studio-Alben umfassenden Oeuvre an einem Abend hören wollte, der wird in den kuscheligen Räumlichkeiten des Event-Theaters glücklich gemacht.
Den Reigen des Liederabends eröffnet mit All Lips Go Blue ein Track von Tears On Tape, HIMs achtem Studio-Album. Da die CD erst zwei Tage nach dem Konzert in Deutschland erscheinen wird, lauscht das überwiegend weibliche Publikum gespannt dem klassischen HIM-Sound. Dann werden die härteren Riffs herausgeholt: Buried Alive By Love, Right Here In My Arms und Soul On Fire machen den musikalischen Melancholikern sichtlich Spaß. Bassist Migé und Gitarrist Linde hüpfen herum und traktieren die Instrumente. Drummer Gas bearbeitet sein Schlagzeug hinter durchsichtigen Schallwänden. Von Keyboarder Burton sieht man im hinteren Teil der Bühne recht wenig, seine Hooklines kommen aber nicht zuletzt bei dem Evergreen Join Me zur Geltung. Von Herrn Valo im kleidenden Schwarz und mit wärmender Wollmütze sieht man, obwohl er natürlich vorne steht, jedoch häufig den Rücken. Mit ausufernden Ansagen zwischen den Songs hält er sich zurück. Einzig einen Gag mit der löchrigen Kopfbedeckung, die einer Bankräuber-Maske gleich kommt, kann man als den Entertainment-Part gelten lassen. Die Band lässt viel lieber ihre Setlist sprechen, für die sie sich aus fast jedem Album für ein bis zwei Titel entschieden haben. Der Gig bietet damit einen guten Querschnitt aus der ungefähr 15-jährigen Bandgeschichte. Im schummerigen Bühnenlicht kommen besonders auch Hits wie Funeral Of Hearts oder das Chris-Isaak-Cover Wicked Games vom Debütalbum gut an. Zugegeben: Der Sound hätte besser abgestimmt sein können, doch das ist vermutlich dem kleinen Gloria-Theater geschuldet.

Ziemlich plötzlich kündigt die höllische Hoheit Himself schließlich den letzten Song an: When Love And Death Embrace widmet er all den Liebespaaren im Raum. Das lässt das Heartagram gleich höher schlagen! Auf eine Zugabe lässt sich die Band an diesem Abend ein – das psychodelisch-doomige Sleepwalking Past Hope kann dabei gut und gerne als drei Titellängen gewertet werden. Alles in allem ein solider Auftritt einer professionell-routinierten Band und eine gelungene Einstimmung auf das, was mit dem nächsten Longplayer ins Haus steht. (jl)

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Gute 66 Jahre ist Bowie nun alt. Wohl wahr – in dem Alter ist noch lange nicht Schluss. Für den Briten mit dem markanten Blick erst recht nicht. Auch wenn es in den vergangenen Jahren recht still um ihn geworden war. So richtig, wusste man nicht, wohin es ihn verschlagen hatte. Mit welchen Projekten er sich beschäftigte. Aber das gehört schließlich zu einem wahren Popstar, sich auch mal rar zu machen und dann aus der nebulösen Gerüchteküche mit großem „Paauuh“ wieder auf dem Tapet zu stehen.
Was Bowie nun mit „The Next Day“ auf dem Silbertablett serviert, ist zwar nicht die längste Praline der Welt – mit 53 Minuten Spielzeit aber heutzutage schon ein veritabler Longplayer. Für Furore hatte im Januar der vorausgeschickte Appetizer „Where are we now?“ gesorgt. Die Single gehört zu den ruhigeren Tönen und mäandert vor sich hin, streift in Szenen durch West-Berlin. Über allem säuselt Bowie genüsslich vor sich hin, where are we now? Genauso gut hätte er aber auch „Life on mars?“ fragen können. Diese diffusen Ähnlichkeiten zum früheren Werk Bowies sind bezeichnend für das neue Album. Viele der Titel scheinen ihren Bruder im Geiste in Stücken vom Ende der 60er Jahre, Anfang der 70er Jahre zu finden: Space Oddity, Starman, John, I’m only dancing, The Jean Genie, Changes. Alle sind präsent – eine Zeitreise mit einem charmanten Herrn, der die Route vorgibt und schon damals vorgegeben hat. In seiner Entourage hat er wieder verspielte Saxophone, psychotische Synthie-Sounds und die leicht schrägen Hintergrund-Chöre. Alles intelligent arrangiert, ein bisschen opulenter produziert, die Beats energischer – aber im Kern lassen sich die jungen Alter Egos wie Ziggy Stardust, Major Tom oder Aladdin Sane wieder erkennen. Bei allen Reminiszenzen wohnt den Songs aber doch etwas neues inne. Reife und die Gelassenheit, dem Publikum nichts mehr beweisen zu müssen. Das beruhigt vermutlich Bowie selbst und ist dem Album anzuhören. Klingt ganz nach einem Abschied. Wer weiß … Bowie schweigt dazu und streut uns einfach noch etwas Sternenstaub in die Augen. Während wir noch ganz verzückt sind und wie verrückt blinzeln, um die Körnchen loszuwerden, ist er auch schon wieder verschwunden. (jl)

„As long as there’s me, as long there’s you“

60 Infos zu David Bowie – von der BBC zusammengestellt.

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